5 comics que me gustaria ver en la gran pantalla.

Hoy se estrena en las salas cinematográficas la tercera entrega de Spiderman, el mes que viene toca a la segunda de los 4 Fantásticos, hace unos meses tuvimos la respectivas adaptaciones de 300 y el Motorista Fantasma.
Nos hemos acostumbrado a que cada año se estrenen una media docena de películas, mejores o peores, basadas en tebeos.

Permítanme pues un pequeño juego, ¿qué cinco comics te gustaría ver adaptado a la gran pantalla?

Esta es mi lista:

1. Modesty Blaise, si ya se que en los años 60 ya hubo una película, pero no cuenta, que no es digna de la obra de O’Donnell y Holdaway. Yo quiero ver una adaptación fidedigna de Modesty, con todo su glamour y clase, romance y acción ambientada en los años 60.
2. Dr. Extraño, los efectos especiales hoy en día han avanzado tanto que no debería ser muy difícil plasmar los psicodélicos mundos y dimensiones mágicas que pueblan las páginas de los comics de Extraño.
3. Green Lantern, lo mismo que pasa con el Dr Extraño, la magia de Hollywood no tendría ningún problema para plasmar las ilimitadas posibilidades de un anillo de poder, además de que toda la parafernalia de los Guardianes del Universo y los Green Lantern Corps quedaría muy bien como saga espacial cinematográfica.
4. Rapaces, la obra de Dufaux y Marini tiene todos los ingredientes para ser todo un pelotazo cinematográfico, conspiraciones, vampiros y un toque a lo Matrix... no se a que esperan.
5. Invencible, ahora que están tan de moda las pelis de superhéroes no quedaría mal en la gran pantalla una protagonizada por un superhéroe novato que empieza en el negocio. Por suerte parece que ya hay un proyecto cinematográfico basado en la obra de Kirkman, a ver si llega a buen puerto.

¿Y las vuestras?

Lady Snowblood

El Kill Bill de Quentin Tarantino es una de mis películas favoritas (y no me vengan con la chorrada de vol 1 y vol 2) de los últimos años.
Siendo como es el cine del tío Quentin un homenaje continuo a los libros, tebeos y películas que le han acompañado durante su vida tenía una gran curiosidad por acercarme a la que según muchos es la muy descarada fuente de inspiración de Kill Bill, la película japonesa de 1973 Lady Snowblood adaptación del manga del mismo título del gran maestro Kazuo Koike quien también firma el guión del film.

Este año por fin he podido tanto leer el manga como visionar la película original. Este artículo no va a ser una comparativa entre Kill Bill y Lady Snowblood porque al final no me han parecido tan semejantes, aparte de un par de planos calcados y la canción de Meiko Kanji que sirve de banda sonora a ambas películas.

Puede que la venganza sea el motor que mueve tanto a “la Novia” tarantinera como a la Yuki de Koike, su personal vendetta, el entrenamiento que reciben, el camino del infierno que ambas recorren es muy similar , pero a excepción de un par de situaciones no podemos decir que estemos ante una adaptación tal cual.

Por tanto a la hora de leer/ver Lady Snowblood no he tenido casi en ningún momento presente Kill Bill.
Más pensativo me ha dejado Lady Snowblood como adaptación del manga a película, pese a ser Koike guionista de ambos no realiza una adaptación literal, o al menos el director Toshiya Fujita cambia ciertos detalles de un medio a otro.
Y la verdad que no se con que versión quedarme ya que en ambas hay cosas que me han gustado y cosas que no.

Como manga no llega a ese grado de excelencia como otras obras de Koike, aunque quizás sea una injusticia decir esto porque superar al Lobo Solitario o Asa es una tarea ya de por si imposible. Pero no por ello la historia de Yuki no deja de ser menos interesante, tan bella y mortal al mismo tiempo.
El problema que le encuentro a la película es que ha sacrificado ciertas cosas del manga para hacer una película con un argumento más cinematográfico, valga la redundancia.
Nos quedamos con un erotismo más descafeinado, introducimos una pequeña historia de amor y lo hacemos más espectacular.
Me gusta más el desarrollo de ciertos argumentos tal como se presentan en el manga que en la película como es el caso de la parte que se desarrolla en el Círculo Rokumei-kan que queda como algo totalmente anecdótico en la película, siendo este quizás el síntoma del mayor problema de la película y es que en el manga tenemos mucho espacio no solo para desarrollar personajes sino también para mostrarnos como era la sociedad japonesa en el periodo Meiji, mientras que en la película tenemos el tiempo más limitado y hay que ir al meollo de la cuestión dejándonos de florituras, algo triste pero comprensible en el fondo..

En cambio el final de la película, más amargo que el del manga lo encuentro más conseguido. La venganza de Yuki al final se cobra un precio en ella misma, ojo por ojo, el circulo del odio se mantiene vivo en la hija de Banzo. Y Meiko Kaji es lo mejor de la película en su papel de hija del infierno, su presencia, su imagen, su dureza, esas miradas que echa, sencillamente genial Meiko Kaji.

Una pena que no este disponible en España en DVD Lady Snowblood, aunque para los impacientes como yo que no pueden esperar a que alguna distribuidora nacional se digne a editar por estos lares la película siempre puede por cuatro duros conseguir de importación la edición británica en Zona 2 como ha hecho un servidor.

“Una niña nacida del infierno para la venganza, su nombre es Yuki Kashima, más conocida como Lady Snowblood”.

007, canciones con licencia para matar

Ya faltan pocos meses para el estreno de la nueva película de James Bond, Casino Royale que marcará el polémico debut de Daniel Craig como nuevo agente 007.

Pero si les digo la verdad, a mi lo que me interesa de esta nueva entrega más que cómo le quedará el papel a Craig, es escuchar la canción de los créditos de Casino Royale. Y es que con las películas de James Bond al final da igual que sean un trullo, ya casi solo merecen la pena por esos cinco minutos de créditos tras el teaser con el que comienzan siempre las películas de 007.

Y echando un vistazo a la veintena de películas precedentes nos encontramos con pequeñas maravillas, desde el ya clásico Goldfinger o Diamonds are forever de Shirley Bassey, al You only live twice de Nancy Sinatra, Live and let die de Paul McCartney, A view to kill de Duran Duran, y tantas otras más que han ayudado a cimentar la leyenda cinematográfica de las películas del espía británico.
Y es que cuando se da la circunstancia de un buen artista con una buena canción ya tenemos un pequeño clásico entre las manos como cuando uno de mis grupos favoritos Garbage hizo la canción homónima de The world is not enough, una canción 100% bondiana.

Todavía no he podido escuchar la canción elegida para Casino Royale titulada “You Know my name” interpretada por Chris Cornell y compuesta por el ya clásico David Arnold que al menos ya es una garantía de calidad. Y es que la canción de la la peli anterior, el Die another day de Madonna personalmente me parece de lejos la peor canción que ha tenido una película de Bond.

Puestos a pedir a mi me hubiera gustado ver una canción de James Bond de Björk, la sin par artista islandesa seguro que pergeñaba una canción que no dejaría indiferente a nadie con su particular y personal estilo...

En fin, dentro de poco saldremos de dudas.

Recordando viejos tiempos con la Antorcha y Spiderman

Recién acabada la lectura del tomo Spiderman y Antorcha Humana publicado este mes por Panini se me ha quedado una sonrisa permanente de oreja a oreja.

Y no es de extrañar si su guionista es Dan Slott, que a lo tonto se está convirtiendo en uno de los más interesantes guionistas actuales del mercado Usa y sino échenle un vistazo a su Hulka o su GLA (siempre que Panini se digne a publicar estas series de una puñetera vez en nuestra piel de toro) y ya verán como quedan enganchados y jurando lealtad de por vida a este autor.

Y es que es una delicia leer los cinco números que recopila este tomito donde se nos representa la “amistad”, por llamarla de alguna manera, a través de los años entre Spidey y el benjamín de los 4 F, y como han evolucionado ambos personajes a traves de diferentes etapas de sus historia representadas en cada uno de los 5 números que abarca la serie limitada original. Empezando por los primeros años y terminando en la actualidad, aunque se eche de menos que se obvie la época en que la Antorcha maduró y dejó de ser un niñato inmaduro casándose con Alicia/Lyja, pero claro está, ésta es una época que casi parece que Marvel quiera obviar y enterrar interesándole más un Johnny Storm inmaduro que el adulto que por fin sienta cabeza.

Ahora bien, no se yo si los lectores novatos disfrutarán en su justa medida estos tebeos y no tachen la historia de tontorrona a más no poder, porque Slott llena sus páginas de guiños y detalles que solo los lectores de toda la vida van a ser capaces de pillar y que son la salsa de este Spiderman y Antorcha Humana. Dorrie Evans, Crystal, Gwen, el cambio de nombre de Pete Pote de Pasta, el Coffee Bean y sus habituales, Flash Thompson y su particular mili, el Spidermobil, la Gata Negra, el traje negro de Spidey, el chiste de los pastelitos de frutas, los comentarios a la época del clon, etc, etc, etc

Es increíble la capacidad de Slott de usar la continuidad de forma amena y divertida sin caer en el dato intrascendente y superfluo que no aporta nada. Todo lo contrario enriquece aún más si cabe el empaque de la historia haciendo que los lectores que leímos los tebeos de las épocas a los que remite cada número aullemos de placer y todo ello de manera que encaje correctamente, sin errores de continuidad o al menos yo no he sido capaz de encontrar alguno.

Ojalá hubiera todos los meses un tebeo como Spiderman y la Antorcha Humana, yo por lo menos necesito un tebeo así todos los meses.

¿Y qué pasó con Serenity en España?

Si recordarán hace unas semanas hablamos del éxito que había tenido el DVD de Serenity en Inglaterra en su primera semana a la venta y nos quedábamos con la duda de que pasaría en España.

Hoy una semana después de que se pusiera a la venta en nuestro país si nos damos una vuelta por diferentes tiendas y webs donde se venden DVDs nos encontramos con lo siguiente:

En el Corte Inglés está en la 4º posición de los más vendidos.

En Fnac está en la 8º posición de ventas.

En DVDGo es el 2º dvd más comprado.

Viendo estos resultados me he quedado ciertamente sorprendido, no imaginaba que fuera a venderse por estos lares tan bien como parece que lo está haciendo. A ver si continua la racha.

De Superman a Spiderman, un documental en DVD

De toda la pila de DVDs que tengo por ver ayer estuve visionando De Superman a Spiderman: la aventura de los superhéroes.
Tras este título algo tontorrón se esconde un interesante documental frances realizado en el año 2001 que se dedica a analizar este particular género tan propio de los comics como es el superheroico. No había visto un documental tan interesantes sobre cómic desde aquella serie documental “Cómic, el noveno arte” que no se a que esperan a editar en DVD.

Así desde sus comienzos a finales de los 30 hasta la actualidad se hecha un vistazo y se trata de hacer un análisis con la ayuda de diferentes guionistas, dibujantes y estudiosos del medio que dan su opinión particular, entre ellos gente como Stan Lee, Joe Kubert, Carmine Infantino, Joe Simon, John Buscema, Joe Quesada, Mark Evanier, Bill Sienkiewicz, Paul Dini, etc,etc.

Este documental es muy interesante para la gente no iniciada en el tema ya que le dará una visión muy acertada del nacimiento y el desarrollo del genero a través de los años. Para los entendidos me temo que no encontrarán nada nuevo aunque siempre es un gustazo ver a gente como los arriba mencionados departir sobre comics y ver su particular visión del tema.

El documental está muy bien planteado según mi opinión, empezando con el nacimiento del genero en los años 30 a través de sus más importantes exponentes, y su labor como medio propagandístico en la II Guerra Mundial, pasando por la censura y el Comic Code en los 50, el resurgir en los 60, el papel de Jack Kirby la particular aportación de Marvel hasta como se desarrolla el genero en nuestros días con la invasión cinematográfica actual.

Pero pese a hora y media que dura debo añadir que hay aspectos del mismo que se quedan cortos o no se tocan como debería, así por ejemplo como primeros superhéroes solo se analizan a Superman , Batman y el Capitán América, mencionándose solo de paso y con unas imágenes a muchos más como Wonder Woman que hubieran merecido más metraje.
Tampoco se menciona el decaimiento del género con el fin del conflicto bélico, lo que puede dar la sensación al espectador de que seguía siendo el género más importante cuando la persecución en los años 50 de la industria del cómic.
Y se obvia la revolución del genero en los 80 con Watchmen o Dark Knight Returns pasando directamente de los 60 con Marvel a la nueva forma de concebir los comics en los 90 con personajes como Spawn.
Pero esto no es óbice para quitar calidad al mismo. Es un producto muy bien hecho y bastante divulgativo que quizás hubiese necesitado más metraje para rellenar esos huecos.

Y que decir de la guinda que son los extras, desde un minidocumental sobre Jack Kirby, una entrevista a Stan Lee, Moebius dando su opinión sobre lo que le parecen los superhéroes como autor frances y un taller de dibujo en el que puedes ver a gente como John Buscema, John Romita, Joe Kubert, Travis Chearest, Dave Gibbons o Bill Sienkiewicz en el proceso de realización de un dibujo.

Si te gustan los comics de superhéroes o tienes un mínimo de interés entonces no lo dudes ni un momento y hazte con De Superman a Spiderman: la aventura de los superhéroes, no te arrepentirás.

Memorias de una Geisha, una oportunidad perdida

En mi manía de al ir a ver una peli basada en un libro antes leer este, el mes pasado calló en mis manos “Memorias de una Geisha” de Arthur Golden. Todo un bestseller superventas hace unos años, ¿y qué me encontré?. Pues eso mismo, lo que es un bestseller, una novela que pese a que no aspira a convertirse en un hito de la literatura universal la devoras y disfrutas en cada capitulo, aunque luego a la larga la olvides como una de tantas lecturas que pasan por tu vida.

Pero en mi caso Memorias de una Geisha ha sido distinto, no ha sido una lectura de usar, tirar y olvidar. Ha cruzado la línea que hay entre la indiferencia y el interés que me puede motivar una lectura y todo pese a la falta de originalidad del libro de Golden, falta de originalidad en cuanto a que no nos cuenta nada novedoso, Memorias de una Geisha no deja de ser un bonito cuento de hadas, una nueva vuelta de tuerca de la Cenicienta contado una y mil veces ya.
Por tanto si la originalidad no es la nota diferenciadora de Memorias de una Geisha si que lo es el exotismo en que se desarrolla esta historia, ese extraño mundo que es el barrio de Gion en Kyoto, sus habitantes, sus okiyas, sus casas de té, en definitiva el fascinante mundo de las Geishas.

Pero lo más importante son los personajes, la humanidad que destilan, con todo lo bueno y todo lo malo que tiene la misma. Y así lo comprobamos en la carne de Sayuri, nuestra cenicienta protagonista. Somos testigos de su difícil devenir diario, de sus alegrías y sus penas, de sus logros y sus fracasos, todo ello maravillosamente contado de tal forma que la vieja historia se convierte en algo nuevo o que al menos lo parece. Eso es lo grande de Memorias de una Geisha.

Y es una pena porque la película de Ron Marshall no me ha producido la sensación que tuve al leer el libro y es que no alcanza toda la magnificencia, todo el grado de sentimiento que tiene la novela.
Y es curioso porque una de las sensaciones que produce leer el libro es lo cinematográfico que es el mismo, y la perversa sospecha de que Golden lo ha hecho a idea, que cuanto más puedas llenarte los bolsillos, mejor.

La película, pese a ser fiel a grandes rasgos, busca atajos argumentales y narrativos (como ejemplo la compresión en apenas un par de minutos de los primeros capítulos o la desaparición del verdadero final del libro), despojando en el proceso de todo el lirismo y la fuerza dramática que destilaban las páginas, aparte que hay cambios y diferencias con respecto al texto original que me parecen totalmente innecesarios, ya que no aportan nada y no hacen más que restar aún más si cabe fuerza a la obra.
Y todo ello pese a que el elenco de actores me parece en rasgos generales muy acertado, más en el elenco femenino que en el masculino, polémicas aparte de la nacionalidad de los protagonistas, esa Ziyi Zhang que con su delicada presencia nos regala una maravillosa Sayuri embrujándonos de manera que no podemos apartar la mirada cuando aparece en pantalla; la Mameha de Michelle Yeoh que da el toque necesario de sabiduría que necesitaba el personaje y Li Gong que borda el papel de Hatsunomo.

Por eso es un doble pesar que teniendo una materia prima tan excepcional como era el libro y tan magníficas actrices nos haya quedado una película en definitiva tan descafeinada.
Una autentica pena, una oportunidad perdida.

El Jardinero Fiel, del libro a la película

Últimamente tengo la manía de al ir a ver una película que me interesa y que este basado en un libro leérmelo antes.
Y así he hecho con El Jardinero Fiel, si ayer noche fui al cine a verla, antesdeayer terminé el libro.

Es un curioso ejercicio, teniendo la novela aún fresca en la memoria, la comparación que haces con el film, que ha cambiando en el desarrollo, que personajes se mantienen y cuales desaparecen, si respeta el ritmo narrativo, etc.
He de decir que como adaptación, la película es muy fiel al libro, pero no hay que olvidarse que no deja de ser una adaptación y que por tanto no debería verse obligada a respetar coma a coma el contenido del libro, aunque siempre es preferible que cuanto más se asemeje al mismo mucho mejor. De todas maneras me ha dado la sensación que en la película en ocasiones algunas cosas no quedaban muy claras o por lo menos no tanto como ocurre con el libro.

El director Fernando Meirelles toma la novela original de John LeCarre y la hace suya, la película como he dicho es muy fiel a la novela, pero en el film de Meirelles podemos observar como recalca los temas que interesan al director y vista su filmografía con películas como Ciudad de Dios no es de extrañar, más que los tejemanejes de las farmacéuticas y las luces y sombras que rodean ese mundo Meirelles se centra en el padecer de la gente y la vida miserable a la que están abocados, incluso añade escenas que no aparecen en el libro para recalcar esta situación como el asalto al poblado.
Esto es respetable pero no por ello dejo de pensar que se podía haber sacado mucho jugo al argumento de las farmacéuticas que quedaba mejor retratado en el libro, sus prácticas fraudulentas, el control que ejercen sobre publicaciones e instituciones, el dinero que mueven y el mobbing contra aquellas personas que pueda criticarlas.

Y ante todo al igual que en el libro Meirelles retrata perfectamente esa extraña pareja, Tessa y Justin, su historia, su relación... que no deja de ser el esqueleto sobre el que se construye toda la historia. Muy acertada la elección de actores, sobre todo Ralph Fiennes perfecto en su papel como anodino funcionario en la embajada británica en Kenya que acabará redescubriendo a su esposa. Y maravillosa también Rachel Weisz pese a mis dudas iniciales ya que no la veía en el difícil papel de Tessa Quayle pero a los pocos minutos cualquier duda ya se ha desvanecido.
Los personajes secundarios también están muy bien elegidos aunque yo destacaría a Bill Nighy, actor del que tengo cierta debilidad en el papel de Bernard Pellegrim.
He echado en falta en la película a algunos personajes que se han omitido y también que el papel fundamental de algunos personajes en la novela como son Guita, Birgit queda reducido en la película mientras que personajes como el de la doctora rusa (que ahora no recuerdo el nombre, sorry) y todo el argumento que se desarrollaba en Canada han desaparecido en su traslación fílmica.

En definitiva una película interesante basada en un libro que toca un tema aún más interesante.

Noche de Cine: La Momia y Sanjuro

Anoche sábado tocó sesión de DVDs. Empezó la noche con La Momia de Boris Karloff, la clásica película de 1932. De estas películas clásicas de la Universal creo que he visto muy pocas en realidad, así a bote pronto solo recuerdo el Drácula de Bega Lugosi y el Frankestein también de Karloff. Y la verdad que estaba disfrutando mucho de la película, la mirada de Karloff llega a ser realmente inquietante, pero por desgracia a mitad de la peli el disco empezó a fallar, ralentizándose la imagen en un par de pistas y como tampoco iba a saltarme el nudo para pasar directamente al desenlace de la película tuve que dejar de verla. Esperemos que en la biblioteca tengan otra copia en buen estado y sino la pondré en la lista de DVDs a comprar que creo que merece la pena tenerla.

Tras el chasco de la Momia pasamos al segundo plato de la noche, Sanjuro de Akira Kurosawa. Ya hacía bastantes meses que no me metía entre pecho y espalda una película japonesa desde que hace ya casi un añito descubrí el cine nipón y más especialmente el clásico y concretamente el de Kurosawa.
De Sanjuro diré que no es desde luego una de las obras maestras de Kurosawa como pueden serlo muchas de sus películas, pero no por ello no deja de ser un buen vehículo de entretenimiento.

Es una historia de samuráis protagonizada por Toshiro Mifune en la que un ronin ayuda a un grupo de samuráis algo ineptos, todo hay que decirlo, a liberar a su señor que se ha visto hecho prisionero por unos funcionarios corruptos.
La trama y el personaje que interpreta Mifune me recordaban mucho al protagonista de esa maravilla que es Yojimbo, en especial ciertos toques de humor, la forma en que el Ronin hace bailar el agua a su favor a todo el mundo. Y no era casualidad ese parecido ya que en realidad son el mismo personaje en ambas películas y es que Sanjuro, para mi sorpresa, es una secuela, la secuela de Yojimbo.
Casi casi podríamos decir que estamos ante una franquicia cinematográfica de los años 60 aunque por lo que he podido ver viendo la filmografía de Mifune solo interpretó a este Ronin en estas dos películas y me parece una pena, porque se podría haber sacado más jugo al personaje, uno no puede dejar de preguntarse sobre su pasado, como llegó a ser un Ronin, etc, etc.

Aunque quizás ese desconocimiento de su pasado sea parte de su atractivo, como el Lobezno de los comics, y el mero hecho de indagar en él solo llevaría a romper el encanto que rodea al personaje.
Dejémoslo así pues.

¿Pero qué hace Todd McFarlane aquí?

Que apareciese en los documentales del DVD de Spider-man lo comprendo, fue uno de los dibujantes más influyentes del trepamuros. Que apareciese en un documental frances sobre superhéroes, pues vale, también es entendible, los personajes que ha dibujado durante su carrera pertenecen a ese género.

Pero que Todd McFarlane aparezca en uno de los extras de Animatrix hablando de manga japonés como que no tiene mucha razón de ser. Porque mira que hay dibujantes anglos que están influenciados por el estilo de hacer cómics japonés, pero ¿McFarlane?. Parece que no encontraron a nadie mejor y Todd pasaba por allí.

Solo ya me falto que hubiera aparecido de repente Stan Lee para loar la narrativa japonesa. Eso hubiera sido ya el "summum".

The Phantom la película o el triunfo del cine casposo

Es curioso esto de los gustos. Como en algunas ocasiones productos de ínfima calidad o de serie B (con todos los respetos a la misma) se pueden convertir en platos de nuestro gusto pese a que si los analizas fríamente te das cuenta de todos sus fallos y carencias, pero aún con esas te siguen gustando igual.

Un ejemplo de esto en mi caso es la película The Phantom, la adaptación cinematográfica del personaje homónimo (aunque en España le conozcamos más como el Hombre Enmascarado).

La película de 1996 es un ejemplo de la típica adaptación al cine de un cómic que tanto se destilaron en los 80 y 90 y que en su gran mayoría fueron un fracaso de taquilla (a excepción de los Batman de Burton) hasta que la maldición de las películas basadas en cómic se rompió con Blade y ahora se ha puesto de moda adaptar cualquier cómic imaginable susceptible de ser adaptado.

Como les decía Phantom o el Hombre Enmascarado fue un absoluto fracaso de taquilla en su día, en mi ciudad solo la estrenaron en una pequeña sala y cuando fui a verla la semana del estreno solo éramos 4 personas en la sala durante la sesión y no duró mucho tampoco en la cartelera.
El filme es una relativamente “fiel”, nótese por favor el entrecomillado, adaptación de la tira de prensa que crease Lee Falk en 1936, sobre un misterioso aventurero enmascarado que vive en una oculta jungla llamada Bengala, siendo un misterio para los indígenas que lo consideran un fantasma inmortal “El duende que camina”, cuando en realidad el Hombre Enmascarado es una tradición que pasa de padres a hijos durante los últimos siglos cuando el progenitor muere, de ahí la apariencia de que no puede morir. Y a la jungla de Bengala llega una aguerrida y moderna mujer para su tiempo llamada Diane Palmer que acabará envuelta sentimentalmente con el Fantasma.
El papel protagonista del héroe enmascarado recae en Billy Zane que seguramente será siempre recordado por su papel de malo malísimo en la taquillera y pastelosa Titanic de James Cameron.
De encarnar a Diane Palmer se ocupa la rubia Kristy Swanson (la primera Buffy Cazavampiros cinematográfica) aunque para ello no se dude en teñirla de castaño para ser más fieles al cómic, lo cual no deja de ser curioso cuando hoy en día eso son minucias y así una hispana como Jessica Alba puede interpretar a una “wasp” como la Mujer Invisible o Alicia Masters pasar a ser un personaje de color cuando en el cómic es blanca de toda la vida. Swanson interpreta a una Diane Palmer, aventurera, intrépida, independiente, pero algo falla en su personaje, y ese algo es el compararla con el otro personaje femenino de la película, la malísima Sala interpretada por una entonces desconocida Catherine Zeta Jones que con su carisma hace que en todas las escenas que comparten Sala y Diane Palmer, la Zeta Jones se coma con patatas a la Swanson.
Y también es chocante ver al gran malo de opereta y en ocasiones histriónico de la peli, Xander Drax, interpretado por Treat Williams, todo un cambio con respecto al barbudo y simpático Dr. Andy Brown de Everwood.

La película sigue el esquema originario del cómic condensándolo en una hora y media de película con mayor y menor acierto, se conserva el traje característico morado, aunque uno cuando lo ve a la plena luz del día no pueda dejar de pensar que para un tío que va por la jungla es ridículo, el anillo de la calavera que deja una marca al pegar un puñetazo, la idea que se tiene de su inmortalidad, su perro Devil y su blanco caballo Hero, su eterna lucha generación tras generación con los piratas Sengh, la Patrulla de la Jungla (aunque su papel en la película no es muy extenso que digamos), etc, etc.

El problema al igual que pasa en muchas adaptaciones de comics es que aunque hay cosas que funcionan bien en el papel, en una película de imagen real pueden no hacerlo igual de bien, si a esto le añadimos que el presupuesto no es para tirar cohetes y que el argumento que utilizan es un poco tontorrón y que adolece totalmente en ocasiones de ritmo pues no es de extrañar su fracaso, por no decir ese malo estúpido y su plan con las calaveras que lanzan rayos que lastra la película. Y si encima hay ocasiones en las que la suspensión de la credulidad se hace muy difícil como en la escena en que el caballo es capaz de mantener la velocidad al trote que lleva el Hidroavión o que el protagonista haga un vuelo transoceánico agarrado al patinete del Hidroavión sin morir congelado en el intento, entonces no nos podemos extrañar de que The Phantom no sea una gran obra en la historia del cine.
Pero aún así tiene algo para mi, un no se qué que la hace especial, me gusto la primera vez que la vi en el cine, me volvió a gustar cuando la vi en un pase por televisión y me ha vuelto a gustar ahora que tras comprarla en DVD hace meses la acabo de ver hoy por fin de nuevo.
Y pese a que la analizo y me doy cuenta de sus fallos y errores, cada vez que la veo inexplicablemente me vuelve a gustar y vuelvo a pasármelo pipa con ella.
Quizás sea ese su secreto y no haya que comerse tanto el coco, la película nació para entretener y eso es lo que consigue, ser cine palomitas ni nada más ni menos.

Trailers, a mala leche

Leo en internet el fracaso de taquilla que ha resultado la película “La Isla” al quedar en el cuarto puesto de las películas más vistas en su semana de estreno. No he visto aún la película pero si los americanos decidieron ir o no ir a verla en consideración al trailer que vieron en los cines, entonces no me extraña nada el fracaso de la película porque dicho trailer te quita cualquier ganas de ir a verla.

Yo no se quienes son los que se dedican en Hollywood a la tarea de hacer los trailers, pero que estos están hechos con una mala leche y que más que hacerte una idea de lo que es el argumento de la película te la destripan directamente no tengo ninguna duda.
Porque es sentarte en la sala de cines y casi taparte los oídos y cerrar los ojos para no enterarte de nada, te destrozan cualquier sorpresa, te muestran las escenas más espectaculares y claves de la película, cuando no se convierten en la versión resumida de la misma en donde en 5 minutos te han contado la película completamente.

Imaginad películas clásicas, como serían sus trailers hechos en la actualidad, el del Imperio Contrataca mostrando la escena donde Darth Vader le dice a Luke “Yo soy tu padre”, o el de psicosis mostrando claramente que Norman Bates es un psicopata, el de Casablanca poniendo la escena final en el aeropuerto, pongan el ejemplo que más les guste.

Y luego dicen que la gente no va al cine, si es que casi te obligan a no hacerlo.

Defendiendo a los 4F

No tenía pensado hablar de la película de los 4 Fantásticos hoy, la verdad que no pensaba hablar de nada en el blog, hace tanto calor que lo menos que me apetece en estos momentos es ponerme a teclear delante del ordenador. Pero ciertas partes de la crítica en el blog de un amigo con quien fui a ver la película el viernes ha trastocado todos los planes para esta tarde. Ya se que el siguiente texto tendría que ir lógicamente en los comentarios de dicho blog, pero me veo avocado a exponerlos aquí porque ha quedado un tocho tan extenso que no me permite publicarlo dicho blog como comentario.

Así que casi, casi emulando a los crossovers que invaden periódicamente los comic-books americanos, podemos considerar el post de hoy en la Odisea de Anjin-san como una continuación o crossover de Noche Estrellada.
Pero antes de nada lean esto. ¿Ya esta?, ¿han acabado de leerlo?. Casi ni me ha dado tiempo a coger una botella de agua fría del frigorífico.

En fin que puestos en situación aquí esta mi contestación:

Pues mira tu por donde que a mi la caracterización me ha parecido lo mejor de la película, sobre todo Johnny y Ben, (no tanto los personajes de Reed y Sue que cojean algo) y agradezco que se haya preferido plasmar a los personajes en su esencia, su personalidad básica o si preferimos en ese estereotipo al que te refieres que pecan los personajes.

Pero es que te guste o no, los 4F son así y lo siento pero no entiendo porque un estereotipo tiene que ser algo malo, todo lo contrario, sirve para definir más claramente lo que es el personaje, ¡demonios!, si analizamos a prácticamente todos los personajes de cómic hasta los 70 e incluso actualmente encontraremos que prácticamente todos los personajes son estereotipos, ten en cuenta que el cómic como medio no disponía de tanto espacio para desarrollar a sus personajes como se puede hacer en un libro donde puedes usar páginas y más páginas para construir a un personaje. En un tebeo ya sea en 22 páginas de un comic-book o las 3 o 4 viñetas de una tira de prensa tienen que definir a sus personajes de forma rápida y efectiva para que así el lector tenga una clara idea del rol que juegan los personajes y para ello nada mejor que un estereotipo (aunque dada la narrativa que se usa hoy día estos impedimentos ya no estorban a los autores y es que con la narrativa descomprimida ya se pueden perder páginas y páginas desarrollando al antojo del autor a los personajes en deprimento de la acción propiamente dicha).

Otra cosa es que número a número a partir del estereotipo del que se parte, los personajes vayan evolucionando en el cómic. Pero ahora estamos en una película, en donde tenemos que hacer una presentación de los personajes, origen de los protagonistas y situación de los mismos. No puedes pedir que te muestren en dos horas (que ni llegan) de película una evolución que en los comics llevó años. Por eso aplaudo que en este film se hayan presentado unas personalidades que aunque quizás un pelín esquematizadas, son fieles a los personajes que adaptan. Y es que si lees los primeros números de los 4 Fantásticos estos, básicamente, son, se comportan y tienen los roles que se ha plasmado en la película, tal cual, sin trampa ni cartón, sin florituras, ni cambios radicales, esos 4 estereotipos, científico, la chica, gruñón malhumorado de buen corazón y joven ligón alocado cabezahueca. La evolución de los personajes partiendo de estos 4 rasgos supongo que evolucionara en próximas películas al igual que paso con los comics.

Ahora, que como tu dices estos “4 monigotes estereotipados” no te gustan o no te parecen creíbles como espectador (o lector) del siglo XXI. Solo recordarte que estos personajes llevan en danza 44 años y que en 1961 los 4 Fantásticos fueron un concepto novedoso y rompedor en comparación con lo que se publicaba por la época, por lo que habría que ponerse en el contexto histórico-literario correspondiente a la hora de criticar a estos personajes. Aún así a mi personalmente hoy en día me siguen pareciendo un concepto totalmente válido.

También es verdad que en la película la han cagado a la hora de plasmar al Dr. Muerte, el villano por antonomasia del Universo Marvel cuya plasmación cinematográfica es un insulto por no decir algo peor para tan gran personaje. O que también la parte de la acción sea pelín decepcionante, pero lo dicho, prefiero que se hayan centrado más en los personajes a que me hubieran metido hora y media de batallita continua y sin sentido.

Al final me queda la sensación que en definitiva a ti los 4 Fantásticos no te dicen nada como personajes, pero eso ya es cuestión de gustos. Y como se suele decir “para gustos, colores”.

La semilla del diablo

La verdad que tenía ganas de ver esta película desde hacía mucho tiempo. Quizás fuese por la leyenda negra de película maldita que siempre ha rodeado a esta cinta.
Debo reconocer que me hace gracia la traducción que se le dio en España, “La semilla del Diablo” cuando el título de la novela original de Ira Levin es “Rosemary’s Baby” (Ya lo se, ya lo se, estoy obsesionado con las traducciones). Más que nada porque el titulo español es un spoiler de tres pares de narices, la semilla del diablo, así ya sabes de antemano lo que está gestando la pobre Rosemary, mientras que en la película es algo que descubres durante la misma, aunque la verdad lo puedes intuir fácilmente porque esta historia que nos ocupa ha sido machacada en cine y literatura hasta la saciedad, unas veces más acertadas que otras.

He pasado un buen rato viendo la película de Roman Polanski, la ambientación es excelente y no es para menos cuando lo haces en el mítico edificio de apartamentos Dakota en Nueva York, famoso también por algunos de sus conocidos inquilinos como John Lennon o Leonarnd Bersntein entre otros. Aunque el que mas me ha llamado la atención de todos ellos ha sido Boris Karloff, imaginen el susto que te puedes llevar cuando estas esperando tranquilamente el ascensor y de repente sale del mismo Karloff, sumado con el ambiente tenebroso del edificio.
Me ha gustado la interpretación de Mia Farrow, lo camaleónica que se muestra físicamente y es que el cambio es brutal cuando se queda embarazada, esa delgadez extrema, junto a las ojeras y la sensación que transmite de desasosiego es increíble.
Y también me han parecido perfectos en sus papeles ese extraño matrimonio que forman los amables y simpáticos vecinos, los Señores Castevet.

Esta película es considerada como una de las mejores de terror. No estoy de acuerdo más que nada porque no me parece una película de terror. A un servidor no le ha asustado, ni siquiera perturbado que sinceramente es lo mejor que se le puede pedir a una peli de terror. La veo beber más del suspense, donde sin duda sale del paso muy sobresalientemente (aunque quizás ahora podríamos empezar el debate de si no es en definitiva el género de terror una forma más especifica y elaborada de suspense, pero dejémoslo para otra ocasión).

Eso si, la sensación que me queda al final es que me hubiera gustado conocer otros aspectos de la historia más a fondo. La película (no se si en el libro pasará lo mismo) se centra prácticamente en Rosemary desde su punto de vista y lo que va descubriendo a medida que avanza la historia. Y a mi me hubiera gustado lo que Polanski no nos muestra como puede ser la forma en que el marido de Rosemary pasa a formar parte del akelarre o que se hubiese indagado más en la historia de Roman Castevet y como formó su grupo. Que lleva a una persona a adorar al diablo, vender su alma para triunfar, aunque quizás entonces no debería estar viendo la Semilla del Diablo, sino Fausto o alguna obra similar.

De todas maneras esta película me ha dejado una cosa muy clara, no te fíes nunca de tus vecinos.

CUBE

Curiosa película esta Cube. La verdad que por la temática de la misma me ha recordado en ocasiones a un episodio más largo de The Twilight Zone. He de reconocer que pensaba que el argumento no podría dar mucho de si para una hora y media de película, pero estaba totalmente equivocado

6 personas, un policía, una médico, una matemática, un autista, un ladrón y un ingeniero sin saber como han llegado hasta allí se despiertan atrapadas en una habitación cúbica en cuyas paredes hay unas compuertas que les comunican con otras habitaciones también cúbicas que forman una laberíntica prisión. Pero hay que tener cuidado porque algunos de los cubículos encierran trampas mortales. Vamos que este “cubo” parece salido de la pesadilla del creador del Cubo de Rubik.

La fuerza del filme es ver como reaccionan los personajes cual perros de Pavlov a esta peliaguda situación con sus diferentes personalidades que poco a poco el espectador va descubriendo que son complementarias para poder resolver su situación en ese ambiente asfixiante y terrorífico donde se ponen a prueba la capacidad de aguante que tiene el ser humano.

Y es curiosa la metáfora que se vislumbra en la película, que en una sociedad colaborando se puede salir adelante, superando cualquier dificultad, pero en ocasiones la naturaleza humana se deja vencer por las circunstancias hundiendo todo lo conseguido.

Mirando por internet veo que se han hecho un par de secuelas que supongo que ahondarán en aspectos que no quedan claros o que se obvian directamente en la película como son la finalidad del Cubo y quienes lo construyeron pero que a decir la verdad no restan ni un ápice de interés a la misma.

El director Vincenzo Natali me ha dejado un buen sabor de boca, por lo que en el futuro tendré que echar un vistacillo a esa otra obra suya, Cypher. Solo aún siendo la mitad de buena que Cube valdrá la pena.

DVD vs TV

Ya no veo mucho la televisión, lo cual vista la programación actual de nuestras cadenas es todo un ejercicio de salud mental. Aparte que para ver alguna serie de TV o película interesante que echan el sufrido espectador corre el peligro de amodorrarse en el sofá mientras espera a que acaben los anuncios que en ocasiones pueden llegar a más de 15 minutos o también prepararte un día para ver tu serie favorita y descubrir que en su lugar han puesto el enésimo resumen de Operación Triunfo o cualquier programa que esté de moda en ese momento aunque también puede ocurrir que el simpático programador lo relegue a altas horas de la madrugada para dejarte la opción de no acostarte esa noche o madrugar más ese día, al gusto del espectador.

Menos mal que llegó el DVD para salvarnos la vida. Y es que las distribuidoras no son tontas y han visto el filón que es sacar packs por temporadas de diferentes series de televisión. Aunque en un principio eran escasas, reduciéndose casi a ese fenómeno que es Friends y cuatro cosas más, ya casi podemos decir que no hay serie de éxito americana que no aparezca recopilada en DVD. Incluso la cosa está llegando a recuperar viejas series de TV, abriendo un nuevo mercado para los nostálgicos de todas aquellas series que vimos tiempo ha y que quedaron enraizadas en nuestro subconsciente.
En España que en ocasiones no nos enteramos de la misa la media parece que nos estamos poniendo las pilas y cada vez más aparecen nuevos lanzamientos de series foráneas, que la pasta es la pasta y hay que subirse al tren del dinero.

Las ventajas del DVD son claras, porque dejas de depender de la arbitrariedad de la programación y ahora solo dependes de ti mismo, te atienes al horario que más te convenga, que no siempre tiene porque ser el mismo y ya no tienes que preocuparte de si a esta hora no puedo ver tal cosa o si me van a cambiar el horario o cancelar la emisión de la otra.
Y lo que se ahorra de tiempo, oiga, si en una cadena normal dos episodios de una serie tardan en emitirlos completos dos horas con los malditos anuncios que hacen que te acuerdes de la madre de quien invento la publicidad, ahora tú tranquilamente puedes verlos en poco más de una hora.
Y que hay que decir de la versión original, porque hay muy pocas series (y cadenas) que te den la opción del V.O. y teniendo en cuenta que el doblaje y traducción del algunas son para echarlas a comer aparte porque matan todo el contenido del original entonces la opción de la versión original se convierte en la preferente. Por no contar todos los extras que te vienen añadidos de comentarios, tomas falsas, escenas eliminadas y reportajes que siempre son un aliciente y un goce para el friki.

A este paso, ver la programación normal del TV se va a convertir en algo más para eso que ahora esta tan de moda del recuerdo colectivo y es que casi casi ellos se lo están buscado.

Una de Yakuzas

Como les comentaba en otro post estoy viendo mucho cine japonés últimamente, sobre todo cine clásico de los años 50 y 60.
Por eso tenía ganas de ver algo actual, más allá de las películas de terror que de unos años a esta parte están invadiendo de forma paulatina nuestras taquillas.
Por eso cuando el domingo leí en el periódico que esa madrugada iban a echar “Brother” de Takeshi Kitano pensé que sería buen momento para desempolvar alguna cinta de video que no tuviese uso y hacer trabajar un poco el video VHS que con el DVD ya casi ni se usa.

De Takeshi Kitano he oído muy buenas críticas, como uno de los directores de cine japonés mas interesante de la actualidad. A decir la verdad me quede con las ganas de ver su película de época musical “Zatôichi” cuando lo echaron en el cine, pero ocurrió lo de siempre, que lo vas dejando, lo vas dejando y cuando te acuerdas de que querías ir a verla ya la han retirado de la cartelera.
En estos 3 días en mis ratos libres he estado viendo Brother y mi primer contacto con Kitano debo reconocer que ha sido algo agridulce.

La peli va de un Yakuza japonés que cae en desgracia y tiene que irse a Estados Unidos donde se pone en contacto con su hermano pequeño que emigró unos años antes y que junto a sus amigos se dedica a trapichear con drogas a baja escala. Con la llegada del Yakuza, el negocio se va expandiendo lo que les lleva al conflicto con otra mafías.
Sabía de antemano lo que me iba a encontrar, cine negro cargado de violencia y debo confesar que ese género la verdad no me atrae mucho, a menos que venga rodeado de toques de humor negro como hace Tarantino, o con más acción como pueden ser las pelis de John Woo o con toques de thriller a lo “Sospechosos Habituales” de Brian Singer o “Seven” de David Fincher, pero Brother no es este caso por lo que se me hizo muy cuesta arriba. Me ha recordado mucho al cine que hace Abel Ferrara y este no es que digamos santo de mi devoción.

Por tanto mi primer contacto con el cine de Kitano no ha sido muy exitoso que digamos. De todas maneras yo sigo en mis trece de querer ver Zatôichi.

Distorsionando la realidad

Durante los últimos meses me he visto inmerso en un aprendizaje sobre la cultura japonesa ya sea literaria o cinematográfica. Y es en esta última disciplina que he descubierto el cine de Akira Kurosawa, el “emperador” del cine nipón, cuya filmografía aun no he hecho más que arañar.
Este fin de semana le llegó el turno a “Rashomon” (1950), el filme con el que se dio a conocer internacionalmente y cosecho importantes premios como el León de Oro en la Muestra de Venecia y el Oscar en 1951.

Pese a que los sucesos que ponen en movimiento a la película puedan parecer muy comunes, un asesinato y una violación, la maestría de Kurosawa está en que este suceso lo vemos a través de la perspectiva de cuatro personajes, siendo cada versión diferente de la anterior, pese a que estén contando el mismo hecho.
Y es que cada personaje no cuenta la “verdad” en si, sino la versión que más se amolda a sus intereses.
Lo que plantea Kurosawa en esta película tiene una lectura muy actual. Solo hay que leer los periódicos o encender la televisión.
La verdad tal como es, brilla por su ausencia. Solo recibimos una versión, sesgada por el interés de quién la da, de acuerdo a sus necesidades.
Y lo peor es que todos los hacemos. Preferimos dar la versión que más no interesa de las cosas antes que dar a conocer la real. Hay una palabra que define muy bien esa actitud nuestra, hipocresía.

De dobladores y doblaje

Dicen que España es uno de los países que tiene mejores actores de doblaje del mundo. La verdad que no puedo comparar por lo que supongo que será verdad.

Aunque si que es cierto que consiguen tal grado de identificación por parte del espectador entre un actor y la voz del doblador que ya no te lo puedes imaginar con otra diferente. Caso por ejemplo del doblador de Bruce Willis, que le da un toque tan especial al actor que cuando le oyes con su voz original ya no te hace tanta gracia.

El problema es que en ocasiones esto mata el espíritu del actor original, si tenemos en cuenta que el tono, el timbre de la voz y la forma en la que se recita es una parte muy importante del trabajo a la hora de actuar y si las características de la voz del doblador es diametralmente opuestas a las del actor al que dobla, se puede hundir y estropear una buena actuación.
Me viene a la mente el caso de Clint Eastwood. En España lo dobla casi desde siempre Constantino Romero, con su voz grave característica, la cual todo sea dicho me encanta, pero si escuchas la voz original de Eastwood te puedes llevar una sorpresa, porque es mucho más suave, no tienen nada que ver la una con la otra y te hace pensar si el tono y timbre de Constantino Romero quizás haga parecer a Eastwood más duro de lo que es en realidad

Y otro problema es que en ocasiones hay dobladores que tenemos tan identificados con algunos actores que cuando doblan a otros diferentes no hace más que retrotraernos al actor al que estamos acostumbrados que doble. Esto me ocurrió el otro día, una tarde de esas desapacibles en la que tienes la cabeza tan cargada que solo quieres desconectar un poco del mundo. Me decidí a ver una peli del montón de DVDs que tengo por ver. La seleccionada fue la edición especial de “Superman” de Richard Donner. Estoy acostumbrado al doblaje original de la película de los años 70 que me gustaba mucho, pero como la edición especial tenía metraje adicional la cinta había vuelto a ser doblada por un nuevo equipo, lo cual en cierto modo es de agradecer, porque odio esas viejas pelis que en ocasiones les cambia la voz a los actores porque parte del metraje original fue censurado en su día y los dobladores originales ya no están disponibles para doblar la parte originariamente censurada, o peor que la película pase de estar doblada al castellano a la versión original con subtítulos porque no han doblado el metraje extra como me pasó viendo la versión extendida del “Gran Azul” de Luc Besson durante casi la mitad del filme. Al principio creí que el lector de DVD se había vuelto loco pasando del audio en castellano al ingles sin ton ni son hasta que me di cuenta que la parte en ingles eran las escenas extras.

Pero estoy divagando, como decía me puse a ver la película de Superman, y llegamos a la escena del juicio en el que Marlon Brando como “Jor-El” hace su monólogo ante el Consejo. Cual es mi sorpresa al ver que la voz que le habían puesto a Brando era la del doblador de la mayor parte de las películas de Silvester Stallone. La interpretación de Brando perdió todo sentido para mi, porque no hacía mas que esperar que en cualquier momento me soltará el “¡que vienen los charlies!” o el famoso “¡no siento las piernas!”.
Y luego llega el momento de la votación cuando condenan al “General Zod” y a su cohorte. Entonces es cuando Terence Stamp interpretando a Zod, le dice a Jor-El que se una a ellos en un tono suplicante para luego al final y de forma arrogante clamar su venganza a Jor-El y toda su descendencia o al menos así lo recordaba en el doblaje original. Pero en la nueva versión el tono de Stamp es siempre el mismo, sin ningún cambio en el matiz al pasar de la súplica a la arrogancia. Todo el discurso de Zod se vuelve monótono.
En este punto paré la película, volví hacía atrás y empecé a verla de nuevo esta vez en Versión Original con subtítulos. Ya no quería llevarme más sustos descubriendo que voz le habrían puesto a Christopher Reeves o a Margot Kidder. ¿Cuántas filmes habrá cuyo doblaje les hace algo realmente doloroso de ver?.

Yo por si acaso he aumentado mi propósito de ver más películas en V.O.

Hollywood desértico

Uno mira la cartelera estos días o lee en las revistas especializadas los proyectos cinematográficos que se preparan desde Hollywood y siempre encuentra un denominador común que comparten todos ellos.

La falta de originalidad.

Y a originalidad me refiero a creaciones nuevas. La gran mayoría de películas son o adaptaciones literarias, o remakes de viejos éxitos cinematográficos puestos al día, o adaptaciones de películas extranjeras al gusto del mercado yankie, o llevar a la gran pantalla series de éxito de TV y de los cómics, o biopics de cualquier persona a la que se le pueda sacar jugo de su historia personal.

¿Tan falto de imaginación están los guionistas cinematográficos que tienen que tirar de otros medios y de lo ya hecho para sacar sus proyectos adelante?.
¿Es que los estudios no quieren arriesgar la pasta en nuevas historias y creaciones artísticas que prefieren ir a lo seguro no vaya a ser que por arriesgarnos no hagamos una taquillazo?.

Y cuando hayan adaptado todo lo que se puede adaptar, ¿qué harán entonces?, ¿remakes de remakes?.